Automatic For The People
R.E.M. (vinyle neuf)

« Automatic for the People », le huitième album studio du groupe de rock alternatif américain R.E.M., est une œuvre d’art intemporelle qui a marqué l’histoire de la musique moderne. Sorti le 5 octobre 1992, cet album s’écarte de l’énergie de leurs précédentes réalisations pour explorer des thèmes plus sombres et mélancoliques, reflétant une maturité et une introspection profonde.

L’album s’ouvre sur « Drive », un morceau au tempo lent et hypnotique, avec un Michael Stipe chantant d’une voix douce et presque parlée. Le morceau est un appel à la génération X, les incitant à prendre le contrôle de leur destin dans un monde où ils se sentent souvent impuissants. Le titre lui-même, « Drive », est une métaphore de la prise de contrôle, mais également du besoin de prudence dans une époque où tout semble aller trop vite. Le son est riche, avec des guitares acoustiques et une section de cordes, une première indication de la diversité instrumentale qui caractérise l’album.

« Try Not to Breathe » continue sur ce ton réfléchi. La chanson aborde le sujet délicat de la fin de vie avec une sensibilité à fleur de peau, Stipe chantant du point de vue d’une personne âgée qui regarde en arrière sur sa vie avec un mélange de regret et de sérénité. La chanson est soutenue par des harmonies vocales poignantes et une instrumentation qui amplifie l’émotion du récit.

« The Sidewinder Sleeps Tonite » apporte une touche de légèreté avec sa mélodie entraînante et ses paroles énigmatiques, mais même ici, il y a une touche de mélancolie sous-jacente. Le titre, qui s’inspire d’un hôtel de passe appelé The Sidewinder, cache en réalité une discussion sur l’isolement et la recherche de connexion dans le monde moderne.

« Everybody Hurts » est peut-être la chanson la plus connue de l’album. Un hymne de solidarité pour ceux qui souffrent, elle offre une main tendue à ceux qui se sentent seuls dans leur douleur. Sa simplicité lyrique, associée à une mélodie universellement réconfortante, en fait un morceau qui résonne avec des auditeurs de tous âges et de toutes cultures. La vidéo musicale, montrant une file de voitures bloquées sur une autoroute où les conducteurs et les passagers finissent par sortir de leurs véhicules pour marcher ensemble, symbolise à la fois l’isolement et l’espoir d’une communion humaine.

« New Orleans Instrumental No. 1 » est une rareté dans le catalogue de R.E.M. : une piste entièrement instrumentale. Elle sert de transition dans l’album, un moment de répit qui invite à la contemplation, avec ses mélodies douces et sa production éthérée.

« Sweetness Follows » revient à des thèmes plus sombres. La mort et le deuil sont au cœur de cette chanson, qui parle de la manière dont les familles font face à la perte et à la possibilité de croissance et de renouveau après un tel événement. La musique est chargée d’émotion, avec des violoncelles graves qui ajoutent une profondeur supplémentaire au sentiment de tristesse.

« Monty Got a Raw Deal » est un hommage à Montgomery Clift, l’acteur hollywoodien dont la carrière et la vie ont été marquées par des tragédies personnelles. La chanson est un commentaire sur la célébrité et la façon dont elle peut déformer et détruire les vies, avec une mélodie qui évoque un sentiment de nostalgie et d’avertissement.

« Ignoreland » est la chanson la plus politiquement chargée de l’album, une critique acerbe de l’administration politique de l’époque aux États-Unis. Elle se démarque par son énergie rock plus traditionnelle, une sorte de rappel que R.E.M. n’a pas complètement abandonné ses racines rock malgré le ton plus calme de l’album.

« Star Me Kitten » avec ses paroles cryptiques et sa production atmosphérique, est l’une des chansons les plus énigmatiques de l’album. Elle illustre bien la capacité du groupe à créer des textures sonores qui invitent à l’interprétation personnelle, permettant à chaque auditeur de trouver sa propre signification dans les mots et les sons.

« Man on the Moon » est un vibrant hommage à l’humoriste Andy Kaufman, connu pour ses pitreries surréalistes et son refus de se conformer aux attentes. La chanson juxtapose les doutes sur les alunissages et la croyance en la magie et le merveilleux, soulignant la capacité de Kaufman à bluffer son public et à défier la réalité. La mélodie est entraînante et mémorable, avec un refrain qui reste gravé dans l’esprit longtemps après la fin de la chanson.

« Nightswimming » est une ballade au piano émouvante qui évoque la nostalgie des nuits d’été passées à nager dans l’obscurité, une métaphore de l’innocence perdue et de la maturité acquise. La simplicité de la composition et la narration évocatrice de Stipe en font l’une des chansons les plus touchantes de l’album.

L’album se clôt sur « Find the River », un adieu poignant qui parle de recherche de sens et d’acceptation de la mortalité. La chanson est une réflexion sur le cycle de la vie, avec un appel à trouver sa propre voie – un thème qui résonne dans tout l’album.

« Automatic for the People » est une œuvre complexe et riche en émotions qui aborde des thèmes universels à travers une musique à la fois accessible et profondément réfléchie. Cet album a consolidé la réputation de R.E.M. comme l’un des groupes les plus innovants et influents de leur génération. La production, assurée par Scott Litt et le groupe lui-même, a su capturer la subtilité et la force des compositions, créant un son qui reste frais et pertinent des décennies plus tard.

Avec « Automatic for the People », R.E.M. a créé un album qui ne se contente pas de divertir, mais qui invite aussi à la réflexion, à la commémoration et à la célébration de la vie dans toute sa complexité. C’est une œuvre qui continue de toucher de nouveaux auditeurs et d’inspirer les artistes, un véritable classique qui témoigne du pouvoir de la musique de résonner bien au-delà de son époque.